Un Racine incompris et déformée. Un réalisateur brillant et une actrice très talentueuse ne convainquent pas dans leur version de”Bérénice” (texte original en français avec résumé en italien).

di Philippe PREVAL

Bérénice, Romeo Castellucci, Isabelle Hupert

On pouvait attendre le meilleur de l’alliance du génie de Romeo Castellucci et du talent incandesçant d’Isabelle Hupert. Du premier, nous avions eu la chance de voir la mise en scène de Moses und Aron, à l’Opéra de Paris, absolu chef d’oeuvre qu’on peut heureusement voir et revoir sur youtube[1]. Quant à la seconde, c’est tout simplement la plus grande actrice de sa génération qui n’a jamais hésité à relever brillament des défis avec le théatre de création, que ce soit avec Bob Wilson ou Krzysztof Warlikowski.

Pour autant, leur version de Bérénice[2], est tout simplement un naufrage. Le théatre est avec le concert, la production artistique la plus exaltante quand elle est réussie et la plus triste quand elle ne l’est pas. On peut juger de la qualité d’un spectacle, comme d’un match de football à ce qu’on a envie de faire après.  Si on a envie d’aller au restaurant pour manger des huîtres, boire du champagne et discuter de ce qu’on vient de voir avec ses amis, c’est réussi. Si on a envie de rentrer chez soi le plus vite possible et en silence, c’est raté.  La représentation terminée, un silence douloureux, emplit l’immense salle du Théatre de la ville, déjà désertée par nombre de spectateurs. Quelques sifflets furent entendus, mais ceux qui viennent voir ce genre de production n’ont pas coutume de siffler, il gardent leur déception par devers eux.  Des applaudissements, certains ayant la frénésie maladive des sectaires, vinrent enfin clore la soirée.

Dans le premier chapitre des Démons, Dostoievsky décrit avec un sarcasme gourmand, le poème du très honorable Stépan Trophimovitch Verkhovensky, cette “allégorie dont la forme lyrico-dramatique rappelle la seconde partie de Faust”, alternant choeurs d’hommes, puis de femmes, puis indifférencié, hymnes à la vie, à la terre et à “on ne sait trop quoi”. Le grand Fédor eut sans doute goûté son plaisir. Le spectacle est composé des trois tirades de Bérénice. Isabelle est seule en scène. Elle a éliminé la concurrence; le spectacle est à sa gloire. Mais est ce un piedestal ou un mausolée?

Du texte de Racine, il reste quelques fulgurances sompteuses enchâssées dans de longs passages où la voix est déformée, métallique, le phrasé saccadé, hâché pour finir dans un insupportable et trivial bégaiement.  Entre les trois tirades s’intercalent deux pantomimes. Dans la première, le spectateur assiste à un interminable pas-de-deux immobile entre Titus et Antiochus, aux corps décharnés. Dans la seconde, le même Titus est courroné par le sénat romain, bande de jeunes gens habillés puis nus, épelant Leviatan, sans doute en référence à Hobes, manipulant une immense croix grecque et rejouant quelques tableaux néoclassiques, peut-être le Léonidas et le Romulus des Sabines de David, exaltation de la nudité héroïque. Dans le bruit assommant d’un marteau pilon, le spectateur est commis de passer “à travers une forêt de symboles”.

L’art vit de contraintes et meurt de Liberté. Cette phrase de Gide semble faite pour ce spectacle. Rien n’a contraint ni l’actrice, ni le metteur en scène. L’une s’est laissé aller à son narciscisme qui pense que c’est elle qu’on vient voir et non un spectacle, l’autre s’est complu dans ce qui est sa tendance naturelle: la violence, violence du bruit musical, violence des éclairages, vociférations, sang, nudité… Pour Moses und Aron, Romeo Castellucci était pris dans un système de contraintes puissant: la musique de Schoenberg d’abord, son texte, la Bible, la structure de l’Opéra de Paris et la nécessité de remplir la salle pendant 20 représentations. Il semble qu’aucun regard critique, qu’aucun recul n’ait accompagné le spectacle. La liberté absolue est un exercice périlleux. N’est pas Michelange qui veut.

Castellucci avait travaillé en profondeur sur l’oeuvre de Schoenberg, l’analysant à la lumière de ses derniers mots[3], considérant le peuple juif comme une métonymie de l’humanité[4] et le couple formé par Moise et Aaron, comme deux moitiés du même personnage, rappelant le vicomte pourfendu. C’est cette réflexion qui structurait sa démarche créatrice. Racine n’a pas eu droit au même traitement, il n’est que le prétexte au bal de deux égos. Dans le festin qu’il offre à ses amis, riches et incultes affranchis comme lui, Trimalcion fait venir des “homéristes”, acteurs grecs qui viennent, pour quelques sesterces, déclamer des vers d’Homère que personne n’écoute, ni ne comprend. Laissant les homéristes faire leur triste besogne et sans y accorder le moindre intérêt, il entreprend lui même, un livre latin à la main, d’expliquer l’histoire: “A l’instant même entra toute la bande, frappant de leurs piques sur leurs boucliers. Trimalcion s’assied sur un carreau, et tandis que les homéristes discourent entre eux en vers grecs, selon leurs us et contre tout usage, lui, d’un ton musical, se met à lire un livre latin. Puis soudain, commandant le silence : Savez-vous quelle scène ils représentent là ? Diomède et Ganymède étaient deux frères, lesquels avaient pour soeur Hélène. Agamemnon l’enleva, et à la place de Diane il mit une biche. Ainsi Homère raconte ici la guerre des Troyens et des Parentins. Il se trouve qu’il est vainqueur, et qu’il donne Iphigénie sa fille en mariage à Achille, ce qui fait qu’Ajax devient fou : dans la minute l’argument va vous l’expliquer.” [5] Trimalcion prouve ainsi qu’il n’a rien compris à Homère et qu’il n’en a cure. Avec leur suffisance, leur snobisme et leur prétention, les créateurs du spectacle en font de même avec Racine.

Il reste que, même dans la pathétique lamentation finale, quand Isabelle de Judée agresse les malheureux spectateurs encore présents, en leur intimant l’ordre de “ne pas la regarder”, il y a quelque beauté. Un mauvais tableau d’un grand peintre est toujours intéressant. Racine disait que “toute l’invention consiste à faire quelque chose de rien”[6]. Isabelle Hupert et Romeo Castellucci ont presque réussi à faire le contraire, pas tout à fait cependant.

Philippe PREVAL  Paris 10 Mars 2024

NOTE

[1] https://www.youtube.com/watch?v=dmv0t6ZUBaU

[2] https://www.theatredelaville-paris.com/fr/spectacles/saison-2023-2024/theatre/berenice . Le spectacle sera présenté à Milan.

[3] Ô verbe, verbe, toi qui me manques !

[4] https://www.youtube.com/watch?v=bitpvsofoy0

[5] Simus ergo, quod melius est, a primitiis hilares et Homeristas spectemus.” Intravit factio statim hastisque scuta concrepuit. Ipse Trimalchio in pulvino consedit, et cum Homeristae Graecis versibus colloquerentur, ut insolenter solent, ille canora voce Latine legebat librum. Mox silentio facto: “Scitis, inquit, quam fabulam agant? Diomedes et Ganymedes duo fratres fuerunt. Horum soror erat Helena. Agamemnon illam rapuit et Dianae cervam subiecit. Ita nunc Homeros dicit, quemadmodum inter se pugnent Troiani et Parentini. Vicit scilicet, et Iphigeniam, filiam suam, Achilli dedit uxorem. Ob eam rem Aiax insanit, et statim argumentum explicabit.” Pétrone, Satiricon, LIX.

[6] Ironiquement dans sa préface à Bérénice.

Versione Italiana

Ci si poteva aspettare il meglio dall’alleanza tra il genio di Romeo Castellucci e il talento incandescente di Isabelle Hupert. Riguardo al primo, abbiamo avuto la possibilità di vedere la sua messa in scena di Mosè e Aronne, all’Opera di Parigi, un capolavoro assoluto che per fortuna può essere rivisto anche su YouTube. Quanto alla seconda -certamente la più grande attrice della sua generazione-  non ha mai esitato ad affrontare con successo le sfide del teatro creativo, sia con Bob Wilson che con Krzysztof Warlikowski.

Tuttavia, la loro versione di Bérénice è semplicemente un disastro.

Il teatro è, insieme al concerto, la produzione artistica più esaltante quando ha successo e la più triste quando non lo è. Possiamo giudicare la qualità di uno spettacolo da ciò che vogliamo fare dopo: se si desidera andare in un ristorante a mangiare ostriche, bere champagne e discutere con i tuoi amici di quello che hai appena visto, è un successo; se invece vuoi tornare a casa il più presto possibile e in silenzio, allora è un fallimento. Dunque, non a caso, terminata la rappresentazione, un silenzio cupo ha riempito l’immensa sala del Teatro Comunale. Si sono sentiti dei fischi, ma chi viene a vedere questo tipo di spettacoli non ha l’abitudine di fischiare, tiene dentro di sé la delusione, e solo pochi applausi, hanno alla fine chiuso la serata.

Nel primo capitolo dei Demoni, Dostoevskij descrive con avido sarcasmo, la poesia dell’onorevole Stepan Trofimovitch Verkhovensky, questa “allegoria la cui forma lirico-drammatica ricorda la seconda parte del Faust”, alternando cori di uomini, poi di donne, poi indifferenziati, inni alla vita, alla terra e al “non sappiamo bene cosa”.

Lo spettacolo è composto dalle tre invettive di Bérénice. La Huppert è sola sul palco. Ha eliminato la concorrenza; lo spettacolo è alla sua gloria. Ma è un piedistallo o un mausoleo?

Del testo di Racine restano alcuni lampi sontuosi incastonati in lunghi passaggi dove la voce è distorta, metallica, il fraseggio a scatti, spezzettato fino a sfociare in un balbettio insopportabile e banale. Tra le tre invettive sono intervallate due pantomime. Nella prima, lo spettatore assiste a un interminabile passo a due tra Tito e Antioco. Nella seconda, lo stesso Tito è incoronato dal senato romano, un gruppo di giovani prima vestiti e poi nudi -sillabando il Leviatano, senza dubbio in riferimento a Hobbes- che maneggiano un’immensa croce greca e riproducono alcuni dipinti neoclassici, forse Leonida e Romolo nel Ratto delle Sabine di Davide, esaltazione entrambidella nudità eroica. Nel rumore assordante di una mazza, lo spettatore è costretto a passare “attraverso una foresta di simboli”.

L’arte vive di costrizione e muore di libertà. Questa frase di Gide sembra fatta apposta per questo spettacolo. Niente ha vincolato né l’attrice né il regista. L’una ha ceduto al suo narcisismo secondo cui è lei che stiamo venendo a vedere e non uno spettacolo, l’altro si è compiaciuto di quella che è la sua tendenza naturale: la violenza, la violenza del rumore musicale, la violenza delle luci, le vociferazioni, sangue, nudità…

Nel Mosè e Aronne Romeo Castellucci si è trovato intrappolato in un potente sistema di vincoli: la musica di Schönberg in primis, il suo testo, la Bibbia, la struttura dell’Opera di Parigi e la necessità di riempire la sala per 20 rappresentazioni. Sembra che nessuno sguardo critico, nessuna prospettiva abbia accompagnato lo spettacolo.

Castellucci ha lavorato a fondo sull’opera di Schönberg, analizzandola alla luce delle sue ultime parole, considerando il popolo ebraico come metonimia dell’umanità e la coppia formata da Mosè e Aronne come due metà di uno stesso personaggio, ricordando il visconte ucciso. È questa riflessione che ha strutturato il suo approccio creativo.

Racine invece non ha avuto lo stesso trattamento: è stato solo il pretesto per esprimere l’ego dei due. Nel banchetto che offre ai suoi amici, liberti ricchi e ignoranti come lui, Trimalcione fa intervenire gli “omerici”, attori greci che vengono, per pochi sesterzi, a declamare versi di Omero che nessuno ascolta né comprende. Lasciando costoro al loro triste lavoro e senza prestarvi il minimo interesse, egli stesso, con un libro latino in mano, comincia a spiegare la storia: In quello stesso momento entrò tutta la truppa, colpendo con le picche sugli scudi. Trimalcione siede su un triclinio, e mentre gli Omerici discutono tra loro, contro ogni consuetudine, lui, in tono musicale, comincia a leggere un libro latino. Poi all’improvviso, imponendo il silenzio: quale scena rappresentano?

Diomede e Ganimede erano due fratelli, la cui sorella era Elena. Agamennone la rimosse e al posto di Diana mise una cerva. Così Omero racconta qui la guerra di Troia. E’ lui che dà in moglie ad Achille la figlia Ifigenia, il che fa impazzire Aiace: Trimalcione dimostra così di non aver capito nulla di Omero e di non preoccuparsene. Con la loro supponenza, il loro snobismo e la loro pretesa, i creatori dello spettacolo fanno lo stesso con Racine.

Resta che, anche nel patetico lamento finale, quando Isabella di Giudea attacca gli sfortunati spettatori ancora presenti, ordinando loro di “non guardarla”, c’è un po’ di bellezza. Un brutto dipinto di un grande pittore è sempre interessante. Racine diceva che “ogni invenzione consiste nel creare qualcosa dal nulla”. Isabelle Hupert e Romeo Castellucci sono riusciti quasi a fare il contrario, anche se non del tutto.